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Tenderenda el soñador / Hugo Ball. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2022.
Autor
Ball Hugo.
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Tenderenda el soñador es una rareza encantadora, espejo roto de los años 1914-1920, una excéntrica Bildungsroman. En forma de episodios surrealistas, se cuenta la historia de Laurentius Tenderenda, un caballero de naturaleza divino-danzante y traje quijotesco. Hugo Ball es una de las figuras fundadoras del dadaísmo junto con Emmy Hennings, Hans Arp, Sophie Taeuber, Tristan Tzara y Marcel Janco. Algunos de los textos que conforman este libro fueron parte de sus performances en el Cabaret Voltaire y la Dada Galerie de Zurich. La obra habilita diversas lecturas desde el paralelismo entre Tenderenda y Hugo Ball: la figura del poeta y artista; el tránsito de su escritura con la historia misma del dadaísmo –Ball comenzó en 1914 con el libro y no fue hasta 1920 que lo terminó–; incluso como testimonio espiritual de un hombre que después de abandonar al movimiento dadaísta en 1916 se dedicó al misticismo medieval.
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Investigaciones de un perro / Kafka Franz. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2020.
Autor
Franz Kafka.
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Las Investigaciones de un perro carecen de esa tristeza y oscuridad tan distintivas de la obra de Kafka. La narración es, más bien, el documento de una crisis personal y artística. En la primavera de 1922, Kafka le cuenta a su amigo Robert Klopstock en una carta que para "salvarse de lo que se conoce como nervios" había vuelto a escribir. Unos meses después, tuvo que dejar de trabajar debido al estado de su salud. La actividad artística, uno de los temas de más peso en su obra, se instaló en su vida con una doble urgencia existencial: tenía el tiempo que siempre quiso para dedicarse a la escritura y, al mismo tiempo, la conciencia –y quizá la certeza– de que no viviría mucho tiempo más. En las Investigaciones, Kafka canaliza esa experiencia en una narración que explora la condición "burguesa" del trabajo y su antinomia, la artística. Múltiples son las lecturas que se han hecho de este relato en clave de parábola e, incluso, de fábula, entre otras. Pero una de ellas merece nuestra atención. La idea central que subyace a la construcción de la historia es sencilla: en el texto, los perros y, sobre todo, el perro investigador-narrador no conocen la existencia de los humanos. Si uno corrige este punto ciego en su percepción e interpretación de la realidad, los "enigmas de la existencia" que tanto atormentan al narrador se podrían decodificar fácilmente: los misteriosos "perros músicos" no son más que animales entrenados de un circo; los inentendibles "perros del aire" son perros toy que sus dueños llevan en brazos; el perro "cazador" es simplemente un perro amaestrado para la caza; el alimento, cuya fuente el narrador investiga con tanto ahínco, es simplemente arrojado a los perros por los humanos. La obra podría resumirse con esta simple analogía: perros-humanos = humanos-X. Sin embargo, en Kafka, X no puede ser simplemente equiparado con "Dios". Más bien, X sigue siendo una entidad desconocida que trasciende nuestro potencial cognitivo.
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Umbra vitae / Georg Heym. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2020.
Autor
Heym Georg.
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Umbra Vitae (segunda edición, ilustrada por Ernst Ludwig Kirchner, 1924) contiene los poemas póstumos de Georg Heym. En ellos, plasma una síntesis poética entre la necesidad de expresión artística, la inconformidad con su entorno y la adaptación como base del orden social. Construye un universo poético confinado a paisajes de "distancia inabarcable" y ciudades "desesperantemente estrechas", donde la distinción entre naturaleza y espacio social desaparece para convertirse en un "estancamiento vacío y desierto" (Starre der leeren Öde). "Estancamiento" y "desierto", leitmotivs de la última fase creativa de Heym, reciben su significado de una conciencia crítica que, en lugar de proponer otras realidades estéticas, enfatiza el aquí y ahora en su forma más grotesca: la destrucción de toda utopía vitalista.
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Sonidos / Wassily Kandinsky. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2021.
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Cuando en 1912 la editorial Piper publicó Sonidos de Wassily Kandinsky (tirada única de 345 ejemplares), ni el editor ni el público sospechaban que esa obra con xilografías y poemas en prosa entraría en la historia de la literatura y del libro como un nexo entre épocas y estilos. Y es que Kandinsky hablaba de la conexión entre imagen y texto como una liberación, como un acto de superación de las limitaciones artísticas: "En el pasado, un artista era siempre mal visto cuando buscaba expresarse por escrito; como pintor, incluso tenías que comer con un pincel y fingir que el tenedor no existía". Así como Kandinsky se aleja gradualmente de la objetividad en su pintura, en Sonidos busca superar el significado convencional de las palabras –de una lengua que no le era materna– al explorar las posibilidades de uno nuevo, producto de la tensión entre el sonido y el ritmo. En Sobre lo espiritual en el arte, Kandinsky escribe: "Las palabras son sonidos interiores (...) El uso hábil de una palabra (de acuerdo con el sentimiento poético) –su repetición, dos o tres veces, internamente necesaria– puede llevarnos a cualidades espirituales de ella que no conocíamos". Con esta búsqueda del significado interior, "se abren grandes posibilidades para la literatura del futuro", porque el lenguaje finalmente romperá con sus limitaciones. Cuatro de las xilografías de Sonidos se realizaron en 1907, cuarenta y siete en 1911 y las cinco restantes en 1912. Durante ese período se volvieron cada vez más abstractas, aunque si prestamos atención, se pueden reconocer, en la mayoría, referencias a lo figurativo. No obstante, al igual que en los poemas, en los grabados, la narrativa se disuelve. Una vez más, se nos niega el acceso a la obra en términos de familiaridad y nos vemos obligados a experimentar con formas de construcción de sentido. Se trata de un proceso complejo que involucra la experimentación, el compromiso e incluso el rechazo: tanto el texto como las imágenes pueden atraer y expulsar al lector.
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Apuntes pedagógicos / Paul Klee. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2020.
Autor
Klee Paul.
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Apuntes pedagógicos (1925) comienza con un punto que se pone en movimiento. Luego, se convierte en línea, en superficie, en espacio. Para Klee, el punto es un tipo de energía que da origen a la forma y, en cuanto tal, es parte de la naturaleza. Sin embrago, el interés no está puesto en la forma o la mímesis artística en sí mismas, sino en develar cómo esa energía se transforma e interactúa en un todo de "independencia relativa": la naturaleza, así como la obra de arte, representa un todo compuesto por diferentes elementos, a los que, en este libro, el autor le asigna una dimensión a cada uno: I. Línea y estructura, II. Dimensión y balance, III. Curva gravitacional, IV. Color y termodinámica. En este sentido, naturaleza y obra de arte serán multidimensionales. Pero además, esta multidimensionalidad de la naturaleza y la obra de arte está influenciada por dos ámbitos de la realidad: la tierra, caracterizada por problemas de equilibrio estático y gravedad; y el área dinámica del mundo, pura debido a su deseo de desprenderse de la esclavitud terrenal, de flotar y volar. En palabras suyas: "Saber que donde hay un comienzo, jamás habrá infinitud. Consuelo: ¡algo más allá de lo habitual! ¿Será posible? Sean flechas aladas para que acierten aún cuando se cansen o fracasen". Si la naturaleza es tierra, la obra de arte no tiene por qué serlo. Se trata de un texto desde y no sobre el arte. Klee no pretende desarrollar una teoría general de la forma, sino proporcionar un punteo de aquello que considera, a partir de su experiencia como artista gráfico y docente, su proceso creativo: génesis (tanto en la producción como en la recepción), equilibrio, ritmo, movimiento y construcción.
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Dame la libertad para poner un fin / Käthe Kollwitz. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2021.
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Dame la libertad para poner un fin. De diarios y cartas es un documento vivo impactante que recoge reflexiones, sentimientos y recuerdos que abarcan tres imperios alemanes y dos guerras mundiales. Leemos sobre el miedo de una madre por su familia, sobre las dudas y frustraciones del trabajo artístico, sobre su biografía política –que va desde la convicción revolucionaria hasta la distancia crítica–, sobre el amor, el tiempo y la muerte. Sus experiencias personales se fusionan, en este libro, con una intensidad única. Durante la República de Weimar, diseñó pancartas y folletos por la causa socialista. La muerte de su hijo en la guerra y las dificultades políticas de la posguerra no detuvieron su afán artístico; de hecho, su dolor y sus dudas sobre la calidad de su obra alimentaron su creatividad. A partir de 1914 y hasta 1932, trabajó en un monumento para el cementerio belga donde estaba enterrado su hijo. Más que una instalación con esculturas, se trata de un testimonio de dolor y de una búsqueda artística imperiosa. Cuando los nacionalsocialistas llegaron al poder la expulsaron de la Academia de Arte prusiana, donde dictaba clases, y desde 1935 tuvo prohibido exponer. Käthe Kollwitz siguió trabajando en silencio, siempre con la porfía de quien tiene algo que decir. Murió en 1945, tres semanas antes del final de la guerra. Se trata, sobre todo, de un testimonio que cala hondo. Al final del recorrido, el lector se sentirá parte de la vida de Kollwitz por la intimidad de la que ha sido testigo. Sus palabras tienen un valor atemporal y no solo por eso es que son particularmente valiosas: nos demuestran que, a pesar de todo, la esperanza nunca es vana, ni siquiera en los momentos más oscuros.
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Pintura, fotografía, cine / Lászlo Moholy-Nagy. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2020.
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Moholy-Nagy creía que la educación artística era de fundamental importancia, razón por la cual, a pedido de Walter Gropius, trabajó como docente en la Bauhaus en Weimar (1923-1925), en Dessau (1925-1928) y en Chicago, donde se estableció a partir de 1937. Para Moholy-Nagy, enseñar no solo significaba educar de forma teórico-práctica, sino también abarcaba la formación moral del ser humano: la educación como medio para allanar el camino para el "hombre nuevo y total". En Pintura, fotografía y cine, postula una de las teorías más importantes e innovadoras sobre la fotografía y su potencial para cambiar la visión y la comunicación. En sus doce ensayos, no solo argumenta a favor de la fotografía como un medio de creación, en lugar de un proceso mecánico de grabación, sino también afirma que ella será la base de la percepción en el mundo moderno. Para el autor, el ojo humano no puede ser una fuente confiable de percepción, pues está incapacitado para la interacción directa con el ritmo y la simultaneidad del mundo moderno. La fotografía genera una nueva condición de percepción: más allá de la mera reproducción, es un modelo perceptual que induce sensaciones y estímulos particulares. Moholy-Nagy define la fotografía como un medio productivo que expande lo visible y conduce a una transformación de la percepción humana. "A través de conexiones formales y espaciales –escribe– nuestro ojo completa el mensaje recibido y crea un fenómeno óptico con nuestra experiencia intelectual para crear un concepto-imagen [Vorstellungsbild], mientras que el aparato fotográfico reproduce la imagen puramente óptica y, por lo tanto, muestra grabaciones, distorsiones, recortes, que se conservan en la visión". Pese a su insistencia en la "imagen puramente óptica", la discusión sobre la fotografía no se limita a los efectos y formas ópticas. Su insistencia en la pureza tiene que ver con aislar la fotografía de nuestro instinto para asimilar lo que percibimos a través de la memoria.
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Sonetos a Orfeo / Rainer Maria Rilke. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2023.
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Los Sonetos a Orfeo, "escritos como cenotafio" para la bailarina Wera Ouckama Knoop, constan de una serie de 55 poemas dividida en dos partes. La primera parte abre y cierra con dos sonetos que evocan directamente a los libros X y XI de las Metamorfosis de Ovidio: el canto de Orfeo tras la pérdida de su amada Eurídice y, al final, la muerte de Orfeo, despedazado por las Ménades y su reencuentro con Eurídice en el reino de las sombras. La segunda parte comienza con el soneto metapoético "Respirar, poema invisible", que cierra el ciclo temático de la "respiración" y el "espacio". Quizá lo más importante en esta obra es que, en el abordaje del mito que hace Rilke, reside también el elemento artístico-metafísico de su poética madura. Ya el primer soneto nos abre su perspectiva: la "acción" que "narra" el Soneto I ocurre en un espacio lingüístico que el mismo texto crea. Esto nos revela una característica central de la mitopoesía moderna de Rilke, que la distingue categóricamente del discurso "literal", "fáctico" del mito. Hay dos posibles lecturas que podrían resultar familiares a cualquier lector moderno: ¿no es este giro hacia el mundo del lenguaje el "giro lingüístico", tan característico del siglo XX, que reduce toda referencia a la realidad a un acontecimiento puramente inmanente en el lenguaje (según la conocida fórmula de Wittgenstein: "Los límites de nuestro lenguaje son los límites de nuestro mundo")? ¿Y no es el poema un ejemplo de la autoreferencia al proceso poético que también fue común en la literatura del siglo XX, es decir un poema sobre poesía? Los Sonetos a Orfeo dejan en claro que, en Rilke, el discurso poético es siempre la expresión de la experiencia del mundo, nunca una acción especial, autónoma y autosuficiente, sino modelo de un comportamiento existencial.
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Viajes y hoteles / Joseph Roth. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2022.
Autor
Roth Joseph.
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En la tradición de lengua alemana, el Feuilleton es un artículo periodístico que, bajo diversas formas literarias, evoca temas de actualidad en un tono personal. Los Feuilletons que componen Viajes y hoteles son textos híbridos siempre nostálgicos e irónicos, que se mueven entre la crónica de viajes, el panfleto, el tratado filosófico y el diario íntimo. Estos escritos trazan un recorrido por las turbulencias económicas, políticas y culturales de la Europa de los años 20: una Alemania azotada por la pobreza y la necesidad, una USSR que acude en masa a los cines de Moscú para ver películas pasadas de moda en Occidente, esa vieja y derrotada burguesía que alimenta su nostalgia por un estilo de vida caduco hace ya tiempo. Esa nostalgia por lo perdido que nunca existió, es decir, por la idealización de una realidad que emerge después de una catástrofe –la Revolución Rusa, la desaparición del Imperio austrohúngaro, el simple pasar del tiempo–, es una constante siempre en tensión en la obra de Roth. No hay presente que no sea una forma de espacio en devenir, víctima de la frenética Modernidad. Sin embargo, no hay sueño sin ese presente. El hotel es el espacio donde se despliega este conflicto. Uno, cualquiera, puede sentirlo como su patria.
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Egon Schiele / Egon Schiele. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2023.
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En esta edición, casi como una tarea de archivo, reunimos cartas, documentos y poemas que revelan al artista Egon Schiele inmerso en un proceso creativo constante, pero también a ese chico inmaduro, en la búsqueda permanente de cómo vivir del arte, lidiando con mecenas enojados, con un tío que le quita la tutela, con la muerte del padre y el reclamo de la madre. Vacaciones con su amante, despilfarros y la guerra. Líder de artistas agrupados y manifiestos, exposiciones y rechazos. Y otra vez la guerra, reclutado/no reclutado, siempre interponiéndose en su visión, pero nunca como temática en su obra.
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El escenario en la Bauhaus / Oskar Schlemmer. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2022.
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El escenario en la Bauhaus recopila dos ensayos que, en conjunto, bosquejan la teoría del escenario total y el diseño escénico de la Bauhaus correspondiente al período de Weimar (1919-1925). Si bien cada texto desarrolla aspectos distintos de la práctica teatral, la forma y el espacio son el leitmotiv del libro. El trabajo en el taller escénico de la Bauhaus, dirigido por Oskar Schlemmer, concibió las relaciones espaciales de una manera novedosa: la forma humana (el actor) deja de ser central y se coloca al mismo nivel que los demás elementos escénicos: luz, sonido, movimiento, color y forma. Acompañan este ensayo, el trabajo de Moholy-Nagy, centrado en los fenómenos cinéticos, abstractos y lumínicos en el escenario.
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Sebastián en sueño / Georg Trakl. - [miejsce nieznane] : Buchwald Editorial : Legimi, 2022.
Autor
Trakl Georg.
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Los poemas que conforman Sebastián en sueño cobran una potencia indestructible al ser leídos como uno solo. La constelación de imágenes que surge de ellos, repetidas pero siempre con su referente en movimiento, sumerge al lector en el universo tan único de Georg Trakl (1887-1914). En un tono autobiográfico pero "despersonalizado" o con la intención de la universalización, el poeta aparece bajo la figura de San Sebastián, Elis o el huésped, enfrentándose consigo mismo bajo la mirada inculpadora de un Dios pétreo, como su hermana, como su madre. Una atmósfera gobernada por el mal, la desgracia y la muerte (siempre prematura o trágica) rodea en igual medida al bosque como al hogar familiar. Si a Trakl se le atribuye cierto hermetismo en su poesía, se debe a su uso particular del lenguaje: una estructura sintáctica que rompe con el orden lógico, la escasez de verbos y la eliminación de los artículos, los simbolismos abiertos y la adjetivación cromática persistente y desplazada. Más que clausura es una apertura al ritmo y a la melodía de una existencia maldita y atormentada. Ingresar en el mundo de Trakl a través de Sebastián en sueño es recorrer las fuerzas oscuras del ser en el pasaje de un entorno en desaparición (como lo fue el Imperio austro-húngaro) a otro tan hostil (como la Primera Guerra Mundial). El uso precoz de drogas, la estancia en manicomios, su muerte por sobredosis a los 27 años dan testimonio en Trakl de este recorrido junto a la ofrenda tremenda de su poesía.
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